Δ Aurigæ
Δ Aurigæ beschäftigt sich mit den Aspekten der Beschleunigung, Perspektive, Relativität und Divergenz. Als Inspiration diente DEPART dafür das Sternbild „Auriga“ am nördlichen Sternenhimmel. Sie sehen darin ein Symbol für die Fahrt ins Ungewisse, den Aufbruch zu fernen Ufern und unbekannten Gefilden, die Sucht und Suche nach Spannung und neuen Erfahrungen. Mäander und Monolithen, Meteore und Menhire bevölkern diese Welt.
Δ Aurigæ wurde von DEPART eigens für sound:frame konzipiert und ist ein Hybrid aus Installation und Performance, eine Art Bühne mit Eigenleben. Im Ruhezustand fließt sie gleichsam träge und majestätisch wie ein Gletscher dahin, lässt die Ränder verschwimmen und Relationen verschwinden. Wenn DEPART in Aktion treten, wird sie aus ihren Träumen erweckt und entfacht ein komplexes und faszinierendes Feuerwerk.

DEPART
Leonhard Lass und Gregor Ladenhauf sind DEPART. Ihre gemeinsamen Arbeiten oszillieren triangulär zwischen den Koordinaten TeXt, BYld und Zound.
Die Spannweite ihrer Werke reicht von interaktiven Installationen über netzbasierte Applikationen bis zu raumgreifenden Performances und AV-Live-Shows.
DEPART schaffen mit ihrem Ansatz von Multimedia einzigartige Momente, die von einer formal strengen und inhaltlich tiefgründigen Ästhetik geprägt sind. Sie vereinen Präzision und Emotion zu einer abstrakten Discokugel mit vielen Facetten, die dem Publikum Fragmente der eigenen Erfahrung widerspiegeln. DEPART haben eine klares Ziel: unmittelbare und doch zeitlose Eindrücke zu hinterlassen.

rheo: 5 horizons
rheo: 5 horizons ist eine audio:visuelle Installation aus 5 Screens im Hochformat und einem 5-Kanal-Surround-Soundsystem. Die Synchronisation erfolgt dabei zwischen vertikalen Bildpaaren und einzelnen Klangkanälen sowie zwischen Video und Audio.
Die rege Digitalbildwelt beeinflusst gezielt die Position der Schallquelle aber auch die Richtung der Schallausbreitung. Dadurch entsteht Raum zur Wiedererkennung der akustischen Bewegung sowie der Position und Beziehung zwischen dem Ich und dem Klang. Diese Resonanzen spielen mit Sinnesempfindungen, die schließlich durch eine ähnliche synästhetische Erfahrung zur Entfaltung kommen.

„rheo bezieht sich auf das griechische Wort für „Fluss, Strom“ bzw. „fließen“; alles fließt und bleibt nie am gleichen Ort – der nur gleich zu bleiben scheint, es jedoch niemals ist. In diesem ewigen Fluss lassen sich Schönheit und Leben sowie die Natur des Daseins entdecken, während sich das Wesen der Dinge in solch einem Wechsel versteckt. Ich denke darum geht es bei Schönheit und wir befinden uns in der temporären Natur dieser Schönheit.“ (Ryoichi Kurokawa)

Ryoichi Kurokawa
Ryoichi Kurokawas beeindruckende audiovisuelle Kompositionen vereinen visuelle und akustische Komponenten auf revolutionäre Weise. Seine Arbeiten setzen dabei neue internationale Maßstäbe im Bereich der digitalen Kunst. Feldaufnahmen, sowie computergenerierte Strukturen harmonieren nicht nur miteinander, sondern öffnen zugleich das Tor zu einer imaginären Welt in der sich Komplexität und Einfachheit zunächst abwechseln und schließlich zu einer skurrilen Einheit verschmelzen.

Nemore
Nemore ist ein Garten aus 36 biegbaren Graphitstangen, die nur auf umliegende Nachbarn reagieren – und auf den Besucher, der Teil des Schwarmes wird. Die Sinustöne jeder einzelnen Stange bilden zusammen einen Akkord, der mit der Bewegung resoniert und moduliert. Suggerieren die Bewegungen ein System aus Angst, Neugierde, Nervosität, …?

„Wenn ich durch Nemore wandere, erwachen die Stangen, singen ihr Lebenslied in dissonanter Harmonie. Die fremde Zerbrechlichkeit – doch biegsam genug, um sich in immer ändernden Mustern zu bewegen – die eigentümliche Sanftmut der unwirtlichen Gestalt lockt zum Betreten und Erkunden, erweckt Neugierde, gemischt mit unsicherer Zurückhaltung. Wie ein Nervensystem zwischen Kampf- und Fluchtmodus verlangt Nemore Ruhe, während Besucher es erregen.“ (Susan Kempster)

Eine interaktive Performance, die den Besucher einlädt, den Sound-Garten Nemore selbst zu erkunden.

fishing for compliments
fishing for compliments sind Jan Bernstein, Max Kickinger, Woeishi Lean und Sebastian Neitsch. Sie spielen in Kinetics, Interactive-, Media- und Sounddesign und arbeiteten u. a. für Ars Electronica, Node Forum, Expo Shanghai, Technikmuseum Berlin, Paraflows 09, Modern Art Museum Santralistanbul und die Schirn Kunsthalle Frankfurt.

Susan Kempster
Susan Kempster ist Tänzerin/Performerin in Sydney, New York, Madrid und Barcelona und unterrichtet Contemporary Dance und Improvisation. Ihre Choreographien wurden in England, Chile, der tschechischen Republik und Spanien aufgeführt und erhielten den ersten Preis bei Wettbewerben in Madrid und Burgos.

annaeins
Anamorphose war stets ein beliebtes Medium zahlreicher Künstler/innen der letzten Epochen, um geschickt mittels geometrischer Gegebenheiten Inhalte verschlüsselt zu vermitteln, oder nur durch dieses Phänomen zu verblüffen. Die Längenanamorphose ist eine Methode der Zentralper-spektive, die die Produktion eines Bildes grundsätzlich thematisiert und dadurch desseb Prozesshaftigkeit ein Stück weiter in den Vordergrund rückt. Sie stellt Betrachter/in, Perspektive, Raum und vor allem Wahrnehmung in einen unwiderruflichen Kontext und fordert sie jedes Mal aufs Neue heraus, an dem Entstehungsprozess des Aufbaus einer weiteren räumlichen Bedeutungsebene teilzuhaben. Durch ein starkes räumliches Objekt wird ein fiktiver Raum erzeugt. Der/die Betrachter/in hat die Möglichkeit, selbst zu entscheiden ob er/sie das Objekt erfahren, hinterfragen oder für sich selbst entwickeln will, um dadurch wiederum ein essentieller Teil der performativen Entstehung eines fiktiven Objekts im Raum zu werden.

Unlicht
Unlicht ist eine Kooperationsgemeinschaft, die 2009 von den Lichtkünstlern lichterloh, bestehend aus Christoph Schmid und Clemens Guertler, sowie den Designern Szabolcs Petöfi und Clemens Russ der Gruppierung unheilbar architektur gegründet wurde. Die Designer von unlicht versuchen eine sehr eindeutige räumliche Formensprache in Licht, Konstruktion und Materialität zu vereinen und konnten ihr Talent bereits national und international durch zahlreiche Projekte unter Beweis stellen.

«Project 1051»
Inspiriert von den zwei Metropolen Paris und Berlin, gründeten Transforma gemeinsam mit dem Hip-Hop Duo La Caution Project 1051. Dabei schuf Transforma zwei Charaktere mittels Materialien aus beiden Städten. Jedes „Kostüm“ wurde in der jeweiligen Stadt vor Ort kreiert und gefilmt, während La Caution mit urban geprägtem Sound- & Filmmaterial beiden eine einzigartige Identität schenkte. Die Figuren orientierten sich dabei an einer gemeinsam strukturierten, jedoch individuell ausgeführten Choreographie, um schließlich im akustischen Raum ihrer Interaktion zusammenzutreffen.

Transforma
Transforma ist ein Künstlerkollektiv, bestehend aus Luke Bennett, Baris Hasselbach and Simon Krahl. Im Zentrum ihrer Arbeit stehen Video, Performance, Installationen und das Zusammenspiel von Musik und Video. Die in Kooperation mit anderen Künstler/innen und Musiker/innen entstandenen Arbeiten lassen die Grenzen gängiger Kunst- und Musikgenres verschmelzen.

La Caution
La Caution ist ein französisches Hip-Hop Duo, das sich aus zwei Mitgliedern, den Brüdern Hi-Tekk und Nikkfurie, zusammensetzt. Durch ihren reifen und einzigartigen Sound, der verschiedenste Richtungen der französischen Musikszene vereint, haben sie sich als eine erstaunlich interessante Band etabliert.

Presented by: Le Batofar and Eclairages

Supported by: Sophiensaele & Disk / CTM, European Cultural Foundation, Hauptstadtkulturfonds, Ministère de la Culture et de la Communication – DICRéAM, Ville de Paris, Culturesfrance – Ministère des Affaires Etrangères, Office Franco-Allemand pour la Jeunesse

Body Trail
Body Trail ist eine Schwarz-Weiß-Dokumentation einer Outdoor-Performance von Willi Dorner, welche im Oktober 2007 in Wien stattfand. Sie spielt mit der Unheimlichkeit, die sich aus statischen, langen Einstellungen auf leere Hauseingänge, nächtliche Parkanlagen und desolate Telefonzellen ergibt. Doch was aussieht wie die Stadt als nächtlicher Verbrechensschauplatz, erweist sich als ein Szenenbild des Choreografen, der eine Gruppe von Tänzer/innen als menschliche Skulpturen in den urbanen Raum hineininszeniert.

„Der Körper ist das Werkzeug, um die Dimension von Raum wahrzunehmen. Indem wir den Körper in Bezug zu Raum und Architektur stellen, dient er nicht nur als Maß, sondern gibt dem Raum um ihn auch Bedeutung.“ (Willi Dorner)

Dorners vielschichtige Stadtintervention changiert zwischen surrealem Humor und düsteren Terrorvisionen. Ihre dynamische, filmische Klarheit aber verdankt sie dem scharfen Schnitt und dem atmosphärisch genauen Sound von Michael Palm.

Willi Dorner
Willi Dorner studierte unter anderem Tanzpädagogik sowie „Modern Dance and Contact Improvisation“ in Wien, den USA und Frankreich. Seit 1988 tanzt er in seinen eigen-en Choreografien und performte bereits auf nationalen und internationalen Festivals und in zahlreichen Theatern. 2003 entstand gemeinsam mit den Videokünstler/innen Norbert Pfaffenbichler, Johannes Hammel und Michaela Schwentner der Film „mazy“, der bei der Diagonale in Graz Premiere feierte.

Supported by: Innovative Film Austria
Photo:LisaRastl